Qualche sera fa mi è apparso Leo: no, non in sogno o in visione ma proprio in carne ed ossa sulla scena. Ero al Teatro Quirino, dove si sta svolgendo con successo (dal 17 al 27 settembre) la bella rassegna Quirino Revolution curata da Lorenzo Glejieses, che per il secondo anno inaugura la stagione di quel teatro (ne renderà conto più ampiamente Silvia Mei su queste pagine). Ed è qui che, il 20 settembre, mi è sembrato appunto di rivedere il mitico Leo de Berardinis: avanzava dal fondo della scena alto, magrissimo, dinoccolato, con un cappottino corto sulla candida camicia, la bombetta alla Totò in testa e una scopa tenuta alzata con una mano, parlando con una leggera ma riconoscibile inflessione apulo-partenopea. Si trattava di Gianfranco Berardi, autore attore e regista, sicuramente uno degli astri nascenti del nostro teatro, appena trentunenne e già ricoperto di riconoscimenti, in particolare il Premio Scenario 2005 per Il deficiente, e ora consacrato anche come drammaturgo dal volumetto che la Ubulibri gli ha appena dedicato, pubblicando un trittico col titolo Viaggio per amore. Dal Deficiente a Land Lover (introduzione di Franco Quadri).

Il teatro sudamericano, è noto, ribolle di novità e di ultimi ritrovati che non tardano a raggiungere i nostri lidi gemmando iniziative tematiche quando non veri e propri fenomeni che precipitano spesso in coproduzioni festivaliere, iniziative editoriali, residenze artistiche.
É avvenuto così – ma si tratta di un fenomeno ancora in corso che deve raggiungere il suo acme – per il teatro argentino, o meglio porteño. Doverosa precisazione, dal momento che il teatro della “provincia” – come si dice un po’ spregiativamente di quanto esiste fuori dalla capitale argentina – è molto diverso e spesso di minor pregio.
Dopo Eduardo Pavlovsky e Ricardo Bartíz – punte della vecchia guarda del nuovo teatro (leggere dramma) a Buenos Aires  – è stata la volta di autori-registi e scafati attori come Daniel Veronese (www.autores.org.ar/dveronese/) e Rafael Spregelburd (www.rafaelspregelburd.com.ar) – molto più europeizzati di quanto danno a intendere - che stanno conoscendo nel vecchio continente una stagione decisamente felice. Questi ultimi, più marcatamente dei predecessori e con piglio autonomista, hanno operato una vera e proprio apertura del dramma e rottura della rappresentazione, pur mantenendo un'allure autoctona. Lungo questo spartiacque – che potremmo prudentemente denominare “generazione di mezzo” – dobbiamo anche inserire il nuovo fiore all’occhiello della drammaturgia (leggere teatro) argentina, il giovane e rampante Claudio Tolcachir (www.timbre4.com), autore-attore-regista che sta impazzando in Spagna e in Francia, meritando qui ben cinque settimane nella prestigiosa piazza del Théâtre du Rond Point (dal 15 ottobre al 20 novembre), riserva indiscussa di Pippo Delbono, Socíetas Raffaello Sanzio ed Emma Dante.

di Antonino Pirillo

ANTONINO PIRILLO: Chi sono le persone che stanno in scena? Si possono chiamare ancora attori? O performer o attanti? O figure?

CESARE RONCONI: In realtà il mio è un lavoro tradizionale. Mi sono accorto di essere legato ai canoni del teatro orientale. L’attore è dunque una figura che si colloca sempre in un canone determinato.

A.P: Si tratta di una tipizzazione?

C.R.: Una tipizzazione? In realtà sono figure del dolore umano. Mi viene in mente il teatro giapponese. Porta sempre delle figure: una giovane, un vecchio, un uomo, un ragazzo delicato, una geisha. Sono figure per me radicate in un sogno, sono figure della paura, del sonno, della discordia interna, della veglia. La paura non si vede ma si fa sentire. E il repertorio delle paure agisce sull’immaginazione. Il sogno ci dona una conoscenza non razionale.